Picaduras de arañas desde el Salento

Nidi D’Arac
“Taranta Contanider”
Tarantulae, 2010

Los ritmos étnicos, como los llama el gran Jose Migel López, alma del programa de Radio3 “Discópolis”, evolucionan al compás de las nuevas tecnologías, de las mezclas, partiendo siempre de un rico patrimonio lingüístico, rítmico y melódico.  Ese es el caso de Nidi D’arac, un grupo de reciente descubrimiento que hunde sus raíces en el sur de Italia, en el Salento.

La taranta tiene algo hipnótico, que si se une a las bases electrónicas alcanza un trance más allá de lo imaginable.  Una especie de salmodia que nos golpea en la forma más visceral de escuchar música y nos provoca claros efectos secundarios: no podemos evitar cimbrearnos, contorsionar nuestros cuerpos y nuestras mentes en un gozo abandonado.  Sin embargo, esta exploración también tiene pecados, como en “Gocce”, con un ritmo demasiado simplón, casi eurovisivo. Otras opciones, como “Matinata”, resulta más cercana por ser de origen tradicional.  Buena forma de sumergirse en experiencias sonoras menos exploradas en España pese a la cercanía.

Dejarse llevar es el mantra de esta picadura de araña.

El "método cardiofónico" de Germán Díaz

Germán Díaz

"Método cardiofónico", 2012

La nueva aventura en la que se ha embarcado el gran Germán Díaz supone un ahondamiento en la creatividad a la que os tiene acostumbrados.  Un paseo por la improvisación que desata un verdadero “McGuffin” como son las grabaciones que el Dr. Iriarte hizo de corazones de pacientes para enseñar a sus alumnos cómo sonaba un corazón con una cardiopatía.  Y lo hace con su habitual despliegue de la “cacharrería” que le mantiene fascinado desde pequeño y que se refleja de forma tan evidente en su taller, mezcla de desván, taller de luthier y almoneda del Rastro madrileño.

Su labor de investigación revela un pensamiento musical completamente divergente, que es capaz de aunar en un mismo tema la sensibilidad repetitiva de una caja de música con la tecnología que le permite grabar y reproducir ritmos e improvisaciones sobre la que construir el edificio de su preocupación sonora.  Un quehacer completamente artesanal en la creación de los cartones perforados que le permiten tocar sus instrumentos de manivela, como la caja de música o el órgano de barbaría.

¿Llamaríamos a esto “jazz”? Algunos de los sonidos y ritmos que utiliza, algunas síncopas nos conducen hasta él, no en vano una de las formaciones en las que encontramos a Díaz es la Parrús Dixie Band donde toca el clarinete o el extraordinario dúo con Antonio Bravo (Brigada Bravo & Díaz) que abordan el cancionero de la Guerra Civil Española con guitarra y zanfona donde podemos encontrar el famoso “Take a five” por debajo de alguno de sus temas.  ¿Debemos colocarlo en el elenco de la música clásica contemporánea? La verdad es que también podríamos a juzgar por el trabajo de música medieval de la agrupación Tasto Solo.  No vamos a decir nada de la relación con el folclore por motivos evidentes. 

Lo mejor que podríamos hacer tras escuchar este “Método cardiofónico” sería grabar nuestros propios latidos y descibriríamos que danzan al son de una zanfona.

Subimos a la montaña mágica de Rodrigo Leao

Rodrigo Leao
"La montaña mágica"
Resistencia, 2011

No sabemos si este disco de Rodrigo Leao tiene algo que ver con la novela de Thomas Mann que tiene el mismo título.  Sin embargo se nos antoja que, escuchado el aire vintage del disco, como suele ser casi todo lo que compone el portugués, podrían compartir un vínculo entre sí alrededor de esa atmósfera decadente y melancólica.  Al fin y al cabo, la novela alemana es una gran reflexión, como parece hacer Leao con algunos de sus temas.  Sin embargo, esto no deja de ser una conjetura.  El propio tema que da título al disco evoca un ascenso a un espacio mágico, así, de forma literal.  Lo que no es una conjetura es que parece haber querido mostrar  su infancia (¿será el propio Leao el niño de la portada?), como colegimos de la letra de "O hibernauta".

Dejando aparte las elucubraciones acerca de las intenciones del autor, si podemos decir que sigue siendo fiel a esa cualidad cinematográfica de su música.  Bien podría colarse en una película francesa de autor o incluso en alguna de las producciones de Zemeckis.  El comienzo del disco es espectacular, con "A praia do norte" y "O Baloiço", dos melodías absolutamente embriagadoras, al igual que "Mar estranho", que con un tempo marcado y lento nos lleva hasta el cine italiano (o al menos a la música de Morricone...).  Por otra parte, destaca "O Navio farol" en la más estrcita tradición musical de Rodrigo Leao.  Casi todo el disco es instrumental, aunque con las aportaciones vocales de Scott Matthew, Thiago Petit y Miguel Felipe que contrastan con las voces femeninas a las que nos tenía últimamente acostumbrados.

En definitiva, un disco completo, perfecto, grabado con una gran sensibilidad y delicadeza y presentado en el sello resistencia con un DVD del concierto grabado en el Casino de Estoril en marzo de 2011 y que no tiene tampoco desperdicio, pues no solo presenta las canciones del disco, sino que ofrece algunas otras composiciones.  Por cierto, ¿a nadie le evocan los temas del disco y las letras de las canciones la película "Leolo" de Jean Claude Louzon?...

Viaje a las antípodas
Gurrumul
"Rrakala"
2011, Skinnyfish

La cultura aborigen australiana se ha organziado, desde sus ancestros, sobre la base de la relación de todo con todo.  Geoffrey Gurrumul es consciente de ello y como miembro del clan Gumatj de la isla de Elcho, en la tierra de Arnhem, al Noroeste de Australia, plasma esa realidad en la concepción misma de su trabajo.

Este es su segundo disco y se titula "Rrakala", en referencia a la forma que este clan tiene de llamarse a sí mismos, de manera que todo el disco rezuma de cultura Yolngu, la propia de ese espacio geográfico y a la que pertenece Gurrumul y que entienden todo su mundo a través de cinco niveles: wanga (tierra, hogar), dhawn (historia e historias), manikay (canciones del clan), minyi'tjl (arte y diseños totémicos) y gurrutu (parentesco).  Resulta muy instructivo tomar esto y ver qué hay de ellos en las letras del disco, cantado todo en lengua aborigen.  Probad y os sorprenderéis.  el disco entgero parece una gran oración de celebración, en el sentido occidental del término, pues la intención de Gurrumul parece ser ofrecernos una aproximación a la tierra, a la madre, al parentesco, a la contemplación... en un envoltorio armónico occidental para que podamos entenderlo.

Guitarra, piano, unas breves percusiones y la voz solo aparentemente frágil de un hombre ciego de nacimiento que nos ofrece un trabajo unitario en ritmos y concepción que nos hace conceptar con la realidad que expresan sus letras, auque no las entendamos.  La verdad es que nos imaginamos en una gran playa, en comunicón con otros, viendo el ir y venir pausado de las olas mientras se mantienen encendidos rescoldos en la hoguera...

En memoria de las víctimas del Holocausto

Brave Old World
"Songs of the Lodz Ghetto"
2005, Winter & Winter

El próximo 27 de enero se conmemora el Día Internacional de Conmemoración de las Víctimas del Holocausto y de alguna manera esta carga que la humanidad lleva consigo se hace más visible aún desde la música. 
Lo que comentamos hoy no es una novedad discográfica, pero para  muchos resultará un descubrimiento.  Brave Old World publicó en 2005 un disco en el que se recopilaban diferentes piezas de música klezmer con una característica que las hacía únicas: habían sido compuestas desde el horror de vivir en uno de los ghetos que construyeron los nazis por toda centroeuropa, en este caso, en el gheto de la localidad de Lodz, en Polonia.

La etnomusicóloga Gila Flam se dedicó a recopilar estas composiciones entre los supervivientes y las publicó en el libro "Singing for survival" en 1992, reflejando la fuerza y valentía que les permitió contar sus historias de la mejor manera que sabían, una manera que perdurara en la memoria.
Este disco es más que un disco de música klezmer.  Es un tributo a la memoria de los que superaron la atrocidad a la que fueron sometidos y a la de aquellos que sucumbieron a la misma.  Un disco necesario.

África Universal

Ballaké Sissoko & Vincent Segal

“Chamber Music”
2010, No Format

Africa vive más allá del dolor de Darfur, el hambre de Eritrea o el odio eterno en Rwanda.  Vive en el arte, que muchos se empeñan en tildar de artesanía, y en la música, por mucho que algunos sigan llamándolo folclore –Galeano dixit-.  En África las emociones son siempre más necesarias, y nada como la música para traerlas hasta nosotros.

Ballake Sisoko, alumno aventajado del gran Toumani Diabaté, no solamente es un intérprete del kora, ese mágico instrumento que condensa la historia del continente africano.  Es un griot, un mago del sonido en el que descansa esa historia, la verdadera, la que cuentan los vencidos.  Siente dentro de sí mismo lo que luego pulsa en las cuerdas, alguien de la cualidad artística de un Glenn Gould cuando tocaba las variaciones Goldberg. 

Por otra parte es todo un acierto la complicidad musical entre el aparente clasicismo del chelo de Vincent Segal y la profundidad etérea del kora de Ballaké Sisoko.  El disco que grabó con el pianista Ludovico Einaudi era más minimalista, más centrado en los típicos ostinatos del instrumento africano.  Sin embargo, en esta creación creo que hay más juego, más solos, más complejidad rítmica y melódica, con algunos acentos de percusión que subrayan tímidamente el proceso creativo de los compositores.

El título no puede reflejar mejor la idea de fondo.  Música para ser interpretada en la intimidad, mirándose a la cara los intérpretes, sin director.  Cumple todos los requisitos de la misma salvo uno, no es eurocentrista sino universal.

Un homenaje al swing desde Sevilla

O sister!

“Crazy people”
2009
www.osister.es

En el jazz siempre hay hueco para uno más.  Al fin y al cabo, y como muy bien dice el alma mater de este grupo, Paula Padilla, surge como una música popular, para bailar, para disfrutar... y eso es precisamente lo que hacen ellos.

Parten de un homenaje al grupo de jazz vocal The Boswell Sisters, que sí eran hermanas (como Paula y Marcos Padilla), y que deslumbraron en los años 30 a la ciudad de Nueva Orleans con su característico uso del scat, que es el uso de las voces para imitar a diferentes instrumentos.  Este mismo recurso es utilizado de forma admirable por O Sister!, además de los cambios habituales de ritmos. 

Además de regalarnos swing y dixie, este grupo customiza sus actuaciones, pues su vestimenta es adecuada a la actitud elegante pero divertida que envuelve este estilo de música, que muchos conocerán por la faceta del baile, el Lindy Hop, nacido en el Savoy Ballroom de Nueva York: pajarita, canotier, tirantes, boas de plumas... 

Es de agradecer que podamos encontrarnos con grupos como este que ofrece una fiel reproducción de la actitud de una época.  Juegos de sonidos vocales, perfecta armonización, una forma de entender la música y la interpretación como un divertimento que puede y debe ser compartido.  “Stardust” (Carmichel, 1927), así como “It don’t mean a thing...” (Ellington, 1931) son, para mi gusto, dos de las mejores versiones que nos ofrece O Sister! En su disco “Crazy people”, que era lo que pensaban muchos de los más conservadores en los años 30 cuando escuchaban a los jóvenes cantar y bailar a ritmo de swing.

Unos extraordinarios músicos, de larga tradición y formación musical que nos invitan a un viaje elegante, desenfadado y vivaz a los años 30.  imprescindible para los amantes el jazz.